■ 高瀬司（たかせ・つかさ）
サブカルチャー批評ZINE『Merca』主宰。ほか『ユリイカ』（青土社）や各種アニメ・マンガ媒体への寄稿、「SUGOI JAPAN」（読売新聞社）アニメ部門セレクター、「Drawing with Wacom」（Wacom）などイラストレーター、デジタルアーティストによるLive Painting企画でのインタビュー・メイキング動画ディレクションなど。
Merca公式ブログ：http://animerca.blog117.fc2.com/
マンガ評論家の伊藤剛は、監修を務める展覧会「『描く！』マンガ展～名作を生む画技に迫る―描線・コマ・キャラ～」のコンセプトに、「描く読者」を据えている。そのため展示内容は出展作家の生原画（一部複製原画）に加え、「マンガを含めたキャラクター文化を楽しむ人びとというのは、非常に高い割合で自分でも「描く」」【注01】という認識のもと、かつて「描く読者」であったマンガ家の原点となる作品や、時代ごとに異なるデビューへの登竜門となったメディアの資料群、そして次世代のクリエイションに関わるだろう現在の「描く読者」をめぐる（デジタル）環境にまでおよぶ。
▼注01：『月刊MdN』（インプレス）2016年3月号（特集：漫画家が発明した表現30）74頁の伊藤剛の談話より。なお誌面上のクレジットは編集部となっているが、マンガ家・いしかわじゅん、マンガ研究者・夏目房之介各氏のロングインタビューとともに、取材・文は高瀬が担当。
2015年8月1日からの大分県立美術館での展示を皮切りに、北九州市漫画ミュージアムを経て、2016年2月11日より群馬県は高崎市美術館に巡回してきたことでようやく首都圏からもアクセスがしやすくなった本展は、マンガファンのみならず、アニメファンへも様々な示唆を与えてくれる貴重な展覧会となっている。
ごく素朴なレベルで考えても、トキワ荘の面々（手塚治虫【※塚は正しくは旧字体】、石ノ森章太郎【※ノは正しくは小さいノ】、水野英子、赤塚不二夫、藤子不二雄A【※Aは正しくは丸A】）にはじまり、さいとう・たかを、竹宮恵子【※恵は正しくは旧字体】、陸奥A子、諸星大二郎、島本和彦、平野耕太、あずまきよひこ、PEACH-PITという、世代を越えた錚々たる（そして伊藤の色が強く出たと言っていいだろう）出展作家陣ゆえに、メディアミックス展開された作品も多く、アニメファンにとっても馴染み深い名作の展示が少なくない。
それだけでも駆けつけるだけの価値があるだろうが、なかでもとりわけ、ジャンルとしての「ギャグマンガ」の先駆・赤塚不二夫は、2016年初頭において極めてタイムリーな作家と言えるだろう。
それというのも現在――2016年のアニメファンにとってはもはや説明の必要はないかもしれないが――、赤塚不二夫の『おそ松くん』（1962年連載開始）を原作に、そこから十数年後の世界で（27年前のTVアニメ第2作OPがバブル期のサラリーマンの悲哀を描いていたこと、あるいは『天才バカボン』のTVアニメ第1作でバカボンのパパが原作の無職から植木屋に変更されたこととは対照的に）ニートと化している六つ子を主人公としたTVアニメ『おそ松さん』が、女性ファンを中心に爆発的なヒットを記録しているからだ。
付録つきや表紙を飾る雑誌の相次ぐ完売騒動をはじめ、パッケージのセールスも、第1巻の初動が79108枚（オリコン調べ、以下同様）と、『ラブライブ！ 2nd Season』第1巻（2013年）の初動82119枚（累計116266枚）にこそわずかにおよばないものの、2010年代を代表するTVシリーズ、たとえば『化物語』第4巻（2010年）の70468枚（累計83967枚）、『魔法少女まどか☆マギカ』第1巻（2011年）の62041枚（累計80089枚）、『進撃の巨人』第1巻（2013年）の56793枚（累計83683枚）、『うたの☆プリンスさまっ♪ マジLOVE2000%』第1巻（2013年）の54460枚（累計65465枚）をも凌ぐ驚異的な数字を残している。
人気の理由については多様な解釈がありうるだろうが、その一つはまさに「描く」ことと関わるものだろう。
「pixiv」における「おそ松さん」タグの氾濫は言うまでもないが、そもそもにおいて原作であるマンガ『おそ松くん』自体が、連載されていた1960年代の水準で見てもやや古めかしい、記号性が高く単純な絵柄によって、当時から「描く読者」に支持された作品であったことは見逃せない【注02】。
▼注2：マンガ評論家の（というよりはいまやコミックマーケットの創立メンバーであり1980年から亡くなる2006年まで代表を務めた人物として知られているのかもしれないが）米沢嘉博は『戦後ギャグマンガ史』（新評社、1981年／文庫版：筑摩書房、2009年）において赤塚不二夫『おそ松くん』を、週刊少年マンガ誌という新しいメディアとともに生まれた、ジャンルとしてのギャグマンガのはじまりと位置づけたうえで「イヤミやチビ太は面白いキャラであると同時に、ペットマークでもあった。誰にでも描ける簡単さは、読者の少年達の間で真似され、それを描けることが面白いこととされた。流行語をしゃべることと、イヤミを描くこと、そしてそこで使用されたギャグを使うことは同等の意味を持っていた」（文庫版、p.153）と述べている。
キャラクターを描きやすいこと。描くことによって人気が感染すること。
もちろん今回の『おそ松さん』における六つ子は、原作や過去のアニメ化における描き分けのない六つ子の造形――平成版ED「おそ松くん音頭」の歌詞（おそ松のズボンをカラ松がはいて～）は象徴的だろう――に対して、それぞれに識別可能な差異を設けるという大胆なアレンジを加えたうえで、『ぱにぽにだっしゅ！』（2005年）などの新房昭之×シャフト作品を思い浮かべやすい、毒々しくもポップなビジュアルセンスと現代的なシルエットでデザインされてはいるが【注03】、それらしいイラストを描くのに高い画力を必要としない点ではこれまでと変わらないだろう。
▼注03：TVアニメ『おそ松さん』からは、ポップなビジュアルセンスに加え、小ネタ満載のコント性やメタネタ・楽屋落ちも含めたパロディへの態度などからTVアニメ『ぱにぽにだっしゅ！』（2005年）を連想した視聴者は少なくないだろうが、その印象には系譜的な正当性（還流）があるように思える。というのも、尾石達也や大沼心、あるいは宮本幸裕、龍輪直征といったコアメンバーがネタを出しあい、そのなかで生まれた膨大なアイディアが作品の端々に敷き詰められる（とくに初期における）新房昭之×シャフトの制作スタイルは、そもそもにおいて、長谷邦夫、古谷三敏、高井研一郎、横山孝雄、北見けんいち等のブレーンや共同執筆者とのアイデア会議をもとに創作が行われた赤塚不二夫／フジオ・プロダクションを連想させるところがあったからだ。
ところで、さきほど「pixiv」の名前をあげたが、このSNSは「『描く！』マンガ展」におけるキーとなる展示の一つでもある。
それというのも、本展の（少なくとも高崎市美術館の展示においては）入り口にプロローグかつエピローグとして、pixivの（一定間隔でリロードされた＝リアルタイムの）「みんなの新着作品」画面が壁面にプロジェクションされているからだ。
もちろん、「pixiv」上の作品のほとんどはデジタルツールで描かれた「キャラクターイラストレーション」でありマンガではない。しかしここからは、キャラクターイラストレーションを、二次創作というマンガの消費形態のあり方、あるいはレコードのジャケット画からはじまり、イラストレーションやファイン・アートといった多様な画風を取り込みながら発展してきたマンガの表現を考察するうえでも欠かせない、マンガ文化を支える重要なプラットフォームと見なすコンセプトが見て取れる。
そしてこれはそのまま、アニメの消費形態のあり方、あるいはマンガ文化を基盤とするアニメの表現を考察するうえでも、キャラクターイラストレーションに注目すべき必然性をも物語っているだろう。
こと近年のアニメにおいては、コンポジット（撮影）の高度化を背景に、表現可能なキャラクター／画面の質感や情報量の幅は大きく広がっている。かつての撮影台のオペレーター（と言ってしまうのはあくまで乱暴な整理だが）という役割から、1990年代以降のデジタル化の進展を契機に、マシンスペックやソフトウェアの高性能化、デジタルツール／教育の普及およびセクションが担う創造性の急増が推し進めた優秀な若手スタッフの流入、演出陣のコンポジットへの理解度の向上といったポジティブフィードバックの末、2010年代にことさら大きな注目を集めるに至ったコンポジットというセクションは、デジタル化によって表現の変革が進むマンガ同様、アニメとキャラクターイラストレーションとの関係を結びなおした、新たなビジュアルイメージを映像化するポテンシャルを感じさせる。
またpixivと並び、現在の「描く読者」をめぐる（デジタル）環境として展示されているのが（高崎市美術館ではあいにく、展示スペースの関係で一部資料系の展示とともに省略されてしまっていたが）、マンガ作成用3DCGソフトウェア『コミPO！』が搭載された液晶ペンタブレットなどだという。
日本のマンガは戦後、海外のアメリカン・コミックやバンド・デシネなどといったカラー主体でかつ一コマあたりの情報量が多いメディアとは異なり、白黒の絵を中心に安い紙に描くことで制作コストを抑え、その代わりにコマ構成をベースにページ数を増やすという方向で市場を開拓してきた。また白黒であることは同時に、カラーに比べ作業量が少なくて済むため、作家一人で描ける領分が大きくなり、作品の作家性を高めることにも寄与することとなった。実際、海外の例を見ても、ピューリッツァー賞を受賞したアート・スピーゲルマン『マウス――アウシュヴィッツを生きのびた父親の物語』（1980年～1991年）といったグラフィック・ノベル（定義は曖昧だが、例外の多い説明としては、作家性が高く個人制作のアメリカの長編マンガ）では、白黒で描かれているものが多い。
それが3DCG技術がより身近になっていくなかで、WEBコミックの躍進（カラーの印刷コストの解消可能性）、そして「コミPO！」（2010年）のような簡易的な制作ツールを直接的なきっかけとして、これまで漠然とイメージされていた個人制作のカラー／3DCGマンガの成立可能性がより現実的な問題として立ち上がってきている。
同様の問いは、マンガとの表現上の関係性が深いアニメにおいても重要なものとなるはずだろう。
他のメディア表現との相互作用や3DCGの活用法、制作ユニットのあり方や新海誠のデビュー時にはまだ熟しきらなかった種々の可能性まで含め、この「『描く！』マンガ展」にはマンガ史のみならず、アニメ表現を問いなおす契機が満ちている。
※今後首都圏も巡回すると思われるが、高崎市美術館（2016年2月11日～4月10日）の次は豊橋市美術博物館（4月29日～6月5日）と、早くとも夏以降になるため（とくに『おそ松さん』が放映中であるいまを逃さず）、群馬県高崎市を訪れておくべきだろう。
【関連写真】高瀬司（Merca）のアニメ時評宣言 第6回 「おそ松さん」を描く―「『描く！』マンガ展」からアニメを考える
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Merca公式ブログ：http://animerca.blog117.fc2.com/
マンガ評論家の伊藤剛は、監修を務める展覧会「『描く！』マンガ展～名作を生む画技に迫る―描線・コマ・キャラ～」のコンセプトに、「描く読者」を据えている。そのため展示内容は出展作家の生原画（一部複製原画）に加え、「マンガを含めたキャラクター文化を楽しむ人びとというのは、非常に高い割合で自分でも「描く」」【注01】という認識のもと、かつて「描く読者」であったマンガ家の原点となる作品や、時代ごとに異なるデビューへの登竜門となったメディアの資料群、そして次世代のクリエイションに関わるだろう現在の「描く読者」をめぐる（デジタル）環境にまでおよぶ。
▼注01：『月刊MdN』（インプレス）2016年3月号（特集：漫画家が発明した表現30）74頁の伊藤剛の談話より。なお誌面上のクレジットは編集部となっているが、マンガ家・いしかわじゅん、マンガ研究者・夏目房之介各氏のロングインタビューとともに、取材・文は高瀬が担当。
2015年8月1日からの大分県立美術館での展示を皮切りに、北九州市漫画ミュージアムを経て、2016年2月11日より群馬県は高崎市美術館に巡回してきたことでようやく首都圏からもアクセスがしやすくなった本展は、マンガファンのみならず、アニメファンへも様々な示唆を与えてくれる貴重な展覧会となっている。
ごく素朴なレベルで考えても、トキワ荘の面々（手塚治虫【※塚は正しくは旧字体】、石ノ森章太郎【※ノは正しくは小さいノ】、水野英子、赤塚不二夫、藤子不二雄A【※Aは正しくは丸A】）にはじまり、さいとう・たかを、竹宮恵子【※恵は正しくは旧字体】、陸奥A子、諸星大二郎、島本和彦、平野耕太、あずまきよひこ、PEACH-PITという、世代を越えた錚々たる（そして伊藤の色が強く出たと言っていいだろう）出展作家陣ゆえに、メディアミックス展開された作品も多く、アニメファンにとっても馴染み深い名作の展示が少なくない。
それだけでも駆けつけるだけの価値があるだろうが、なかでもとりわけ、ジャンルとしての「ギャグマンガ」の先駆・赤塚不二夫は、2016年初頭において極めてタイムリーな作家と言えるだろう。
それというのも現在――2016年のアニメファンにとってはもはや説明の必要はないかもしれないが――、赤塚不二夫の『おそ松くん』（1962年連載開始）を原作に、そこから十数年後の世界で（27年前のTVアニメ第2作OPがバブル期のサラリーマンの悲哀を描いていたこと、あるいは『天才バカボン』のTVアニメ第1作でバカボンのパパが原作の無職から植木屋に変更されたこととは対照的に）ニートと化している六つ子を主人公としたTVアニメ『おそ松さん』が、女性ファンを中心に爆発的なヒットを記録しているからだ。
付録つきや表紙を飾る雑誌の相次ぐ完売騒動をはじめ、パッケージのセールスも、第1巻の初動が79108枚（オリコン調べ、以下同様）と、『ラブライブ！ 2nd Season』第1巻（2013年）の初動82119枚（累計116266枚）にこそわずかにおよばないものの、2010年代を代表するTVシリーズ、たとえば『化物語』第4巻（2010年）の70468枚（累計83967枚）、『魔法少女まどか☆マギカ』第1巻（2011年）の62041枚（累計80089枚）、『進撃の巨人』第1巻（2013年）の56793枚（累計83683枚）、『うたの☆プリンスさまっ♪ マジLOVE2000%』第1巻（2013年）の54460枚（累計65465枚）をも凌ぐ驚異的な数字を残している。
人気の理由については多様な解釈がありうるだろうが、その一つはまさに「描く」ことと関わるものだろう。
「pixiv」における「おそ松さん」タグの氾濫は言うまでもないが、そもそもにおいて原作であるマンガ『おそ松くん』自体が、連載されていた1960年代の水準で見てもやや古めかしい、記号性が高く単純な絵柄によって、当時から「描く読者」に支持された作品であったことは見逃せない【注02】。
▼注2：マンガ評論家の（というよりはいまやコミックマーケットの創立メンバーであり1980年から亡くなる2006年まで代表を務めた人物として知られているのかもしれないが）米沢嘉博は『戦後ギャグマンガ史』（新評社、1981年／文庫版：筑摩書房、2009年）において赤塚不二夫『おそ松くん』を、週刊少年マンガ誌という新しいメディアとともに生まれた、ジャンルとしてのギャグマンガのはじまりと位置づけたうえで「イヤミやチビ太は面白いキャラであると同時に、ペットマークでもあった。誰にでも描ける簡単さは、読者の少年達の間で真似され、それを描けることが面白いこととされた。流行語をしゃべることと、イヤミを描くこと、そしてそこで使用されたギャグを使うことは同等の意味を持っていた」（文庫版、p.153）と述べている。
キャラクターを描きやすいこと。描くことによって人気が感染すること。
もちろん今回の『おそ松さん』における六つ子は、原作や過去のアニメ化における描き分けのない六つ子の造形――平成版ED「おそ松くん音頭」の歌詞（おそ松のズボンをカラ松がはいて～）は象徴的だろう――に対して、それぞれに識別可能な差異を設けるという大胆なアレンジを加えたうえで、『ぱにぽにだっしゅ！』（2005年）などの新房昭之×シャフト作品を思い浮かべやすい、毒々しくもポップなビジュアルセンスと現代的なシルエットでデザインされてはいるが【注03】、それらしいイラストを描くのに高い画力を必要としない点ではこれまでと変わらないだろう。
▼注03：TVアニメ『おそ松さん』からは、ポップなビジュアルセンスに加え、小ネタ満載のコント性やメタネタ・楽屋落ちも含めたパロディへの態度などからTVアニメ『ぱにぽにだっしゅ！』（2005年）を連想した視聴者は少なくないだろうが、その印象には系譜的な正当性（還流）があるように思える。というのも、尾石達也や大沼心、あるいは宮本幸裕、龍輪直征といったコアメンバーがネタを出しあい、そのなかで生まれた膨大なアイディアが作品の端々に敷き詰められる（とくに初期における）新房昭之×シャフトの制作スタイルは、そもそもにおいて、長谷邦夫、古谷三敏、高井研一郎、横山孝雄、北見けんいち等のブレーンや共同執筆者とのアイデア会議をもとに創作が行われた赤塚不二夫／フジオ・プロダクションを連想させるところがあったからだ。
ところで、さきほど「pixiv」の名前をあげたが、このSNSは「『描く！』マンガ展」におけるキーとなる展示の一つでもある。
それというのも、本展の（少なくとも高崎市美術館の展示においては）入り口にプロローグかつエピローグとして、pixivの（一定間隔でリロードされた＝リアルタイムの）「みんなの新着作品」画面が壁面にプロジェクションされているからだ。
もちろん、「pixiv」上の作品のほとんどはデジタルツールで描かれた「キャラクターイラストレーション」でありマンガではない。しかしここからは、キャラクターイラストレーションを、二次創作というマンガの消費形態のあり方、あるいはレコードのジャケット画からはじまり、イラストレーションやファイン・アートといった多様な画風を取り込みながら発展してきたマンガの表現を考察するうえでも欠かせない、マンガ文化を支える重要なプラットフォームと見なすコンセプトが見て取れる。
そしてこれはそのまま、アニメの消費形態のあり方、あるいはマンガ文化を基盤とするアニメの表現を考察するうえでも、キャラクターイラストレーションに注目すべき必然性をも物語っているだろう。
こと近年のアニメにおいては、コンポジット（撮影）の高度化を背景に、表現可能なキャラクター／画面の質感や情報量の幅は大きく広がっている。かつての撮影台のオペレーター（と言ってしまうのはあくまで乱暴な整理だが）という役割から、1990年代以降のデジタル化の進展を契機に、マシンスペックやソフトウェアの高性能化、デジタルツール／教育の普及およびセクションが担う創造性の急増が推し進めた優秀な若手スタッフの流入、演出陣のコンポジットへの理解度の向上といったポジティブフィードバックの末、2010年代にことさら大きな注目を集めるに至ったコンポジットというセクションは、デジタル化によって表現の変革が進むマンガ同様、アニメとキャラクターイラストレーションとの関係を結びなおした、新たなビジュアルイメージを映像化するポテンシャルを感じさせる。
またpixivと並び、現在の「描く読者」をめぐる（デジタル）環境として展示されているのが（高崎市美術館ではあいにく、展示スペースの関係で一部資料系の展示とともに省略されてしまっていたが）、マンガ作成用3DCGソフトウェア『コミPO！』が搭載された液晶ペンタブレットなどだという。
日本のマンガは戦後、海外のアメリカン・コミックやバンド・デシネなどといったカラー主体でかつ一コマあたりの情報量が多いメディアとは異なり、白黒の絵を中心に安い紙に描くことで制作コストを抑え、その代わりにコマ構成をベースにページ数を増やすという方向で市場を開拓してきた。また白黒であることは同時に、カラーに比べ作業量が少なくて済むため、作家一人で描ける領分が大きくなり、作品の作家性を高めることにも寄与することとなった。実際、海外の例を見ても、ピューリッツァー賞を受賞したアート・スピーゲルマン『マウス――アウシュヴィッツを生きのびた父親の物語』（1980年～1991年）といったグラフィック・ノベル（定義は曖昧だが、例外の多い説明としては、作家性が高く個人制作のアメリカの長編マンガ）では、白黒で描かれているものが多い。
それが3DCG技術がより身近になっていくなかで、WEBコミックの躍進（カラーの印刷コストの解消可能性）、そして「コミPO！」（2010年）のような簡易的な制作ツールを直接的なきっかけとして、これまで漠然とイメージされていた個人制作のカラー／3DCGマンガの成立可能性がより現実的な問題として立ち上がってきている。
同様の問いは、マンガとの表現上の関係性が深いアニメにおいても重要なものとなるはずだろう。
他のメディア表現との相互作用や3DCGの活用法、制作ユニットのあり方や新海誠のデビュー時にはまだ熟しきらなかった種々の可能性まで含め、この「『描く！』マンガ展」にはマンガ史のみならず、アニメ表現を問いなおす契機が満ちている。
※今後首都圏も巡回すると思われるが、高崎市美術館（2016年2月11日～4月10日）の次は豊橋市美術博物館（4月29日～6月5日）と、早くとも夏以降になるため（とくに『おそ松さん』が放映中であるいまを逃さず）、群馬県高崎市を訪れておくべきだろう。
【関連写真】高瀬司（Merca）のアニメ時評宣言 第6回 「おそ松さん」を描く―「『描く！』マンガ展」からアニメを考える
■関連記事
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P.A.WORKSの白箱？アニメ制作現場を描くアニメ「SHIROBAKO」【2015年の一本】
高瀬司（Merca）のアニメ時評宣言 第4回 コンポジットの快楽―「響け！ユーフォニアム」と「バケモノの子」
高瀬司（Merca）のアニメ時評宣言 第3回 3DCGアニメ「RWBY」が照らす映像の原則
